James Wan über die Fertigstellung der Fortsetzung von „Aquaman“, AI Fears und „Saw“

Der THR-Titan hinter „M3GAN“, dem „Conjuring“-Universum und der „Insidious“-Reihe spricht auch über die Schwierigkeiten, Schauspieler asiatischer Herkunft zu besetzen: „Ich hörte immer: ‚Wir werden darüber nachdenken‘, und nichts passierte.“ . Das würde mich also immer richtig sauer machen.“

Von Brian Davids

Schriftsteller

James Wan ist zu dem Vorbild geworden, das er nie hatte.

Wan wurde als Sohn malaysisch-chinesischer Eltern geboren und wanderte im Alter von acht Jahren mit seiner Familie von Malaysia nach Westaustralien aus. Zu diesem Zeitpunkt hatte er sich bereits durch Steven Spielbergs und Tobe Hoopers übernatürlichen Horrorklassiker „Poltergeist“ (1982) in den Film verliebt. Dieses Feature beinhaltet etwas, das zu einem festen Bestandteil von Wans späterer Arbeit werden sollte (mehr dazu später), aber der Weg bis zu diesem Punkt war keineswegs einfach. Wans Heimatstadt Perth ist eine der abgelegensten Hauptstädte der Welt, und sein Kindheitstraum, ein Mainstream-Genreregisseur in Hollywood zu werden, schien noch unerreichbarer, als ihm schnell klar wurde, dass es in seiner Heimat praktisch keine asiatischen Filmemacher gab, die Genrefilme im Studio drehten Ende der 80er und Anfang der 90er Jahre.

Wans Leben veränderte sich für immer, als er an der RMIT University in Melbourne den aufstrebenden australischen Schauspieler und Drehbuchautor Leigh Whannell traf, und ihre gemeinsame Liebe zu Genrefilmen sollte zu ihrem Indie-Horrorhit Saw (2004) führen. „Vom ersten Moment an, als ich James Wan traf, wusste ich, dass er ein erfolgreicher Filmregisseur werden würde“, erinnert sich Whannell. „Er hatte nichts Überhebliches oder Überhebliches an sich. Er hatte einfach das ruhige Selbstvertrauen von jemandem, dessen Arbeit für sich selbst sprach, und als jemand, der zu dieser Zeit kein Selbstvertrauen hatte, genoss ich es, jemandem nahe zu sein, dessen zukünftiger Erfolg unausweichlich schien.“

Als Regisseur veröffentlichte Wan zehn Filme aus den Genres Horror, Action und Superhelden, die weltweit mehr als 3,7 Milliarden US-Dollar einspielten. In seinem Lebenslauf sind außerdem Furious 7 (2015), der Film mit den höchsten Einspielzahlen der Fast Saga, und Aquaman (2018) der DC-Film mit den höchsten Einspielzahlen, außerdem war er Mitgestalter von drei der erfolgreichsten Horror-Franchises aller Zeiten: The Conjuring, Sah und Heimtückisch. Wan ist sich voll und ganz bewusst, dass er zu einem allzu seltenen Beispiel und einer Erfolgsgeschichte für angehende asiatische Filmemacher geworden ist, und er ist bestrebt, seiner Community, wann immer er kann, über seine Produktionsfirma Atomic Monster, mit der derzeit Gespräche geführt werden, den Weg freizumachen Fusion mit Jason Blums Blumhouse Productions.

Schauspieler Patrick Wilson, der sich ein Dutzend Credits mit Wan teilt, führt den Erfolg des Filmemachers auf eine besondere Qualität zurück. „Eine der Wan-artigsten Szenen ist für mich eine einfache Szene in The Conjuring unter der Motorhaube eines Autos. Da gibt es keinen Schrecken, es dient nur der Charakterbildung“, sagt Wilson. „Ich bin sicher, viele Leute wollten, dass es gestrichen wird, aber James funktioniert nicht so. Er führt mit seinem Herzen. Er weiß, dass keine Grusel- oder Actionsequenz einen Mangel an Charakteraufstellung ausgleichen kann.“

Während er Aquaman und das verlorene Königreich fertigstellte, sprach Wan, 46, mit THR darüber, wann er das Gefühl hatte, den Code des Horror-Genres geknackt zu haben, und dachte über die nicht beneidenswerte Aufgabe nach, Furious 7 nach dem tragischen Tod von Paul Walker während der Produktion und dem Aufstieg fertigzustellen Der Kampf, mit dem er zu Beginn seiner Karriere konfrontiert war, als er versuchte, asiatische Schauspieler zu besetzen.

Wenn Sie Ihre Version von „The Fabelmans“ drehen würden, welches augenöffnende Kinoerlebnis aus Ihrer Kindheit würden Sie wahrscheinlich dramatisieren?

„Poltergeist“ hat den größten Eindruck bei mir hinterlassen und mir eine Heidenangst eingejagt. Ich war etwa 7 Jahre alt, als ich den Film im Kino sah, und ich lebte noch in Malaysia, bevor meine Familie mit 8 Jahren nach Australien auswanderte. Dadurch wurde mir die Kraft des Horrorgenres bewusst, aber auch die Magie des Filmemachens Im Algemeinen. Ich glaube nicht, dass ich das richtige Alter hatte, um den Film zu sehen. Es hat mich auf jeden Fall ein Leben lang gezeichnet und mir schreckliche Angst vor Puppen und Clowns eingebracht, aber seitdem bin ich extrem fasziniert von gruseligen Puppen, wie man in all meinen Arbeiten sehen kann.

In den späten 80ern und frühen 90ern gab es praktisch keine Studiofilmer, die so aussahen wie Sie. Hat Ihnen dieser Mangel an Beispielen Anlass gegeben, diesen Traum zu verfolgen?

Definitiv. Dadurch fühlte ich mich noch weiter entfernt, und durch das Leben in Australien fühlte ich mich bereits so weit vom Rest der Welt entfernt. Die meisten Filmemacher, die ich als Kind vergötterte, sind Amerikaner, und die chinesischen oder asiatischen Regisseure, die ich bewunderte, drehten Filme in Hongkong. Als Einwanderer mit chinesisch-malaysischem Hintergrund, der in Australien aufwächst, hoffte ich, dass ich diesen Traum eines Tages Wirklichkeit werden lassen könnte, aber ich griff wirklich nach den Sternen.

Unterstützte Ihre Familie die Idee, als Ihr Ehrgeiz immer größer wurde?

Das, was ich heute habe, habe ich meiner Mutter zu verdanken, denn sie hat mich vom ersten Tag an sehr unterstützt. Als Kind liebte sie Filme und so war sie diejenige, die mich wirklich mit allen Arten des Kinos bekannt machte, vom asiatischen Kino über amerikanische Filme bis hin zu italienischen und englischen Horrorfilmen.

Was war im Hinblick auf Ihre Hochschulausbildung das Wertvollste an diesen Jahren?

Das Beste an der Universität war, Gleichgesinnte zu treffen. Ich besuchte eine Kunstschule [RMIT] und lernte Leigh Whannell in unserem ersten Jahr kennen. Wir waren beide 17 Jahre alt und kamen direkt von der High School und wurden gute Freunde mit sehr ähnlichen Interessen. Wir sind große Genre-Fans und haben uns zwischen den Unterrichtsstunden und in der Mittagspause immer damit beschäftigt. Damals wollte Leigh schauspielern und schreiben, ich wollte mich nur auf die Regie konzentrieren. Und gemeinsam hatten wir das Gefühl, wir könnten unsere Köpfe zusammensetzen und uns etwas einfallen lassen.

Wann kam die Idee zu Saw ins Spiel?

Es war Mitte bis Ende der 90er Jahre, und Leigh und ich wollten uns unbedingt vom Trubel der damals herauskommenden Indie-Filme abheben, also verbrachten wir ein ganzes Jahr damit, über Ideen für eine Geschichte nachzudenken. Und eines Tages, als ich unter der Dusche stand, dachte ich: „Wie wäre es mit einem Film, in dem zwei Leute in einem Badezimmer mit einer wirklich schmuddeligen Toilette festsitzen? Sie haben keine Ahnung, wie sie da reingekommen sind, und sind an gegenüberliegenden Seiten angekettet.“ aus dem Zimmer." Ich kannte also nur den groben Aufbau und dann wusste ich, wie die Geschichte mit Jigsaw enden sollte, dieser Person, die sie in diese Situation gebracht hatte. Und so schlug ich Leigh einen wirklich einfachen Aufbau und ein Finale vor, und er meinte: „Oh, wow. Lass mich darüber nachdenken.“ Also ging er los und kam mit Saw zu mir zurück.

Was hat Sie dazu bewogen, zuerst einen Saw-Kurzfilm zu erstellen?

Wir haben ein weiteres Jahr damit verbracht, das Drehbuch zu schreiben, und dann haben wir ein weiteres Jahr damit verbracht, den Film in Australien drehen zu lassen. Und dann sagte unsere Managerin Stacey Testro: „Hey, ich habe Ihr Drehbuch an einen befreundeten Agenten weitergegeben und er möchte sich mit Ihnen treffen.“ Und an diesem Punkt in unserem Leben waren Leigh und ich verblüfft über den ganzen Prozess, als wir kurz davor standen, den Film auf die Beine zu stellen, und es dann doch nicht lief. Bei der Idee, tausende Meilen von Australien nach LA zu fliegen, um jemanden zu treffen, den wir nicht wirklich kennen, dachte ich nur: „Warum zeigen wir diesen Jungs nicht, dass ich Filmemacher bin und dass Sie schauspielern wollen?“ Lasst uns unser Geld zusammenlegen und einen Kurzfilm machen, der unsere Vision für das Drehbuch darstellt, und wir werden sehen, was sie denken.“ Also drehten wir diesen kleinen Probekurzfilm, der den Film wirklich in Gang brachte.

Nachdem Sie diesen Kurzfilm in der Stadt gedreht hatten, hing ein möglicher Deal davon ab, dass Sie der Regisseur und Leigh der Hauptdarsteller sind?

Ja, wir haben den Kurzfilm gemacht, um wirklich zu zeigen, dass wir die Vision dafür haben. Wir waren jung und hungrig. Der Kurzfilm hat also wirklich dazu beigetragen, Filmemachern und Produzenten ein wenig Vertrauen in uns selbst zu geben – angesichts der Tatsache, dass wir in diesem Moment niemand waren. Damals gab es noch kein YouTube, daher war die Idee, einen Short zu nutzen, um uns zu verkaufen, noch ziemlich neu. Aber wir blieben treu und drehten ein paar Runden durch die Stadt. Es gab Studios und Produzenten, denen das Potenzial des Projekts gefiel, aber sie fühlten sich nicht wohl dabei, dass ich und Leigh daran beteiligt waren. Und dann erkannten Mark Burg, Oren Koules und Gregg Hoffman das Potenzial darin. Sie waren die allerersten Leute, mit denen wir uns trafen, und sie waren diejenigen, die sagten: „Wir werden euch die Möglichkeit geben, es zu machen. Wir werden es für ein wirklich niedriges Budget machen, damit wir den Film und euch besitzen können.“ kann ein Teil davon sein. Und Leigh und ich verließen gerade das Treffen und sagten: „Ist das wirklich gerade passiert? Unser erstes Treffen in Hollywood und jemand möchte tatsächlich unseren Film machen?“

Im Jahr 2004 spielte „Saw“ bei einem Budget von etwas mehr als einer Million US-Dollar 104 Millionen US-Dollar an den Kinokassen ein. Hat sich Ihr Leben sofort so verändert, wie man es sich vorstellen kann?

Als „Saw“ zum Mainstream-Indie-Hit wurde, veränderte sich das Leben grundlegend. Es rückte Leigh und mich ins Rampenlicht als diese beiden jungen Kerle mit Genrefilm-Ideen, die es wert waren, ausprobiert zu werden. Wir hatten großes Glück, dass unser erster Film ein so großer Film war und sich zu einem der größten Franchises aller Zeiten entwickelte, nicht nur im Horror-Genre, sondern in Hollywood im Allgemeinen. Deshalb sind wir sehr dankbar für das, was das Saw-Franchise für uns getan hat.

War Ihnen der Begriff „Folterporno“ schon lange ein Dorn im Auge?

Es lag daran, dass das nicht das Ziel war. Leigh und ich haben einen schockierenden Film nicht nur geschrieben, um ein ausgebeuteter, schlockiger Film zu sein. In das Drehbuch sind viele Überlegungen und viel Geschick eingeflossen, daher kam es mir wie eine abfällige Bezeichnung vor, es zu beschreiben. Schließlich wurde es verwendet, um das Subgenre zu beschreiben, zu dem es wurde – und Saw war ein großer Teil dieser speziellen Bewegung –, aber ich war definitiv nicht besonders begeistert von diesem Begriff. Aber jetzt, im Nachhinein, blicke ich etwas rosiger auf diese Zeit zurück. „Saw“ spiegelte weitgehend die Ära wider, in der es hergestellt wurde, nach dem 11. September. Wir hatten das Gefühl, dass der Film auf seltsame Weise für diese gesellschaftspolitische Zeit relevant war. Es gab viel Folter auf der Welt. Aus historischer Sicht bin ich damit einverstanden, aber es hilft auch, dass Leigh und ich viele andere Dinge getan haben. Wir definieren uns nicht nur durch diese eine Sache.

Im Jahr 2007 war „Dead Silence“ der erste von zwei Filmen, der ohne großes Aufsehen in die Kinos kam. Was haben Sie aus diesem Rückschlag gelernt?

Nun ja, bei „Dead Silence“, meinem zweiten Film und ersten Studiofilm, reagierte ich wirklich auf die Reaktion, die Saw bekam, was bedeutete, dass die Leute auf dem Folteraspekt von Saw herumharrten. Deshalb habe ich mich ganz bewusst dafür entschieden, von diesem Filmstil wegzukommen und mich eher einem Spukhaus- oder Geisterfilm zuzuwenden, einem Genre, das ich liebe. Aber natürlich hinterließ „Saw“ einen so starken Eindruck, dass er sich auch in „Dead Silence“ fortsetzte. Viele Leute hatten etwas Ähnliches wie Saw erwartet, aber das war nicht der Fall. Letztlich lief es finanziell nicht so gut, und damals gefiel es den Leuten nicht wirklich. Aber jetzt melden sich seltsamerweise so viele Fans, um mir zu sagen, wie sehr sie Dead Silence lieben. Und das Gleiche gilt auch für das Todesurteil.

Haben Sie die aufeinanderfolgenden Reaktionen auf die Filme, die Sie nach „Saw“ gemacht haben, entmutigt?

Ja, ich war noch jung, naiv und ein bisschen ignorant, und mir war nicht klar, dass ich technisch gesehen im Regisseurgefängnis saß, nachdem diese beiden Filme finanziell nicht gut liefen. Also machte ich einfach eine Pause, um noch einmal darüber nachzudenken, in welche Richtung meine Karriere gehen sollte, und Leigh und ich erkannten beide, dass wir zu unseren Indie-Wurzeln zurückkehren mussten. Wir mussten [a] Saw noch einmal machen, um uns im selben Genre neu zu erfinden, aber auf eine andere Art und Weise. Also kehrten wir zu unserer Liebe zu Spukhausfilmen und klassischen Geistergeschichten zurück und so entstand „Insidious“.

Im Jahr 2010 wurde „Insidious“ zu einer der ersten Low-Budget-Erfolgsgeschichten von Blumhouse und spielte 100 Millionen US-Dollar ein. Was hat dazu geführt, dass sich die Sterne ausgerichtet haben?

„Insidious“ war der erste Film, den Jason Blum mit Blumhouse Productions gebrandet hat, und wir wollten wirklich einfach wieder einen Film machen, der Spaß macht. Wir haben Saw für 700.000 US-Dollar gedreht, und dann kam Lionsgate ins Spiel und gab ihm Geld für die Postproduktion, um es ein wenig aufzupeppen, sodass das endgültige Budget 1,2 Millionen US-Dollar betrug. Und bei „Insidious“ betrug das Budget knapp über eine Million, es handelte sich also um einen Indie-Film mit sehr geringem Budget. Aber es hat Spaß gemacht und wir hatten zu diesem Zeitpunkt noch nicht den Druck eines Studios hinter uns. Wir wollten einfach den bestmöglichen Film machen, ihn dann auf ein Filmfestival bringen und verkaufen. Und genau das haben wir [bei TIFF] getan. Die Möglichkeit, es so gestalten zu dürfen, hat sich also wirklich auf das Endprodukt ausgewirkt.

Im Jahr 2013 wurde „The Conjuring“ Ihr nächster kritischer und kommerzieller Hit. Hatten Sie zu diesem Zeitpunkt das Gefühl, den Code geknackt zu haben?

Zu diesem Zeitpunkt ja. Insidious war ein großer Wendepunkt. Ich erinnere mich an ein Gespräch mit Produzent Don Murphy, und ganz flüchtig sagte er zu mir: „Was Sie mit „Insidious“ gemacht haben, ist jetzt das, was Sie bei einem Studiofilm tun müssen.“ Das blieb bei mir hängen und ich beschloss einfach, das Spukhaus-Element von „Insidious“, das den Leuten am besten gefiel, zu meinem nächsten Film zu machen. Und wenn Sie ein Fan des Paranormalen und Übernatürlichen sind, dann werden Sie irgendwann in Ihrem Leben auf Geschichten über die Warrens gestoßen sein. Ich wusste also von ihrer Lebensgeschichte und folgte den Rechten, was mich zu [Produzent] Peter Safran und dann schließlich zu New Line führte [um The Conjuring zu machen]. Und ich sagte ihnen: „Ich möchte „Insidious“ machen, aber ich möchte es mit einer Geschichte aus dem „wahren Leben“ überlagern.“

Im selben Jahr wurde „Insidious: Kapitel 2“ Ihre erste richtige Fortsetzung und ein weiterer Kassenerfolg. Warum haben Sie zu einer Insidious-Fortsetzung „Ja“ und zu einer „Saw“-Fortsetzung „Nein“ gesagt?

Jason Blum war sehr hartnäckig. (Lacht.) Er sagte: „James, du musst zurückkommen und Insidious 2 machen.“ Und ich sagte: „Alles klar, Jason. Ich komme zurück.“ Fairerweise muss ich sagen, dass es mir beim Drehen des ersten Films so viel Spaß gemacht hat. „Insidious“ hat mir diesen Wiederaufstieg beschert, und ich hatte wirklich das Gefühl, dass ich es dem Franchise zu verdanken habe. Im Grunde wollte ich mich dafür bedanken.

Furious 7 (2015) war Ihr erster Ausflug in das Action-Genre mit großem Budget, und mitten in der Produktion starben das Herz und die Seele der Reihe, Paul Walker, bei einem Autounfall. Wie beurteilen Sie diese Erfahrung jetzt, wo Sie acht Jahre entfernt sind?

Es war definitiv der härteste Film meiner Karriere. Seitdem habe ich technisch anspruchsvolle Filme gemacht, aber Furious 7 hat einfach so viele verschiedene Ebenen erreicht, vor allem eine emotionale. Es war mein erster Film mit großem Budget. Ich habe „The Conjuring“ für 20 Millionen Dollar gemacht, und dann war „Furious 7“ Hunderte Millionen Dollar wert. Aber der Umfang der Produktion hat mich nicht abgeschreckt; Ich habe es tatsächlich angenommen. Ich wollte wirklich einen Film machen, der dem Aussehen und Geruch ihres Franchise ähnelt, aber ich wollte Versatzstücke entwerfen, die etwas angespannter, spannender und gruseliger sind. Das erste, was ich Donna Langley von Universal im Raum vorstellte, war die Szene, in der der Bus über den Rand der Klippe fährt und Paul Walkers Charakter Brian auf die Seite des Busses klettern und rennen muss, um abzuspringen. Zwei Jahre später wurde das zu einem der Highlights des Trailers.

Als Paul Walker starb, fragten wir uns: „Machen wir den Film einfach endgültig eingestellt?“ Aber wir hatten gemeinsam das Gefühl, dass dieser Film Pauls Vermächtnis sein musste. Also wischten wir uns die Tränen weg, saßen im Leitartikel herum und fragten uns: „Okay, wie machen wir das?“ Zum Glück hatte ich bestimmte Sachen mit Paul gedreht, zum Beispiel seine letzten Actionszenen, aber es fehlten immer noch viele Teile im Film, die Paul brauchten. Ich habe vor seinem Tod nur die Hälfte von dem gedreht, was ich von Paul brauchte, und dann haben wir mit visuellen Effekten gearbeitet, um das zu retten, was wir hatten. Es ist so einfach, diesen Film jetzt, in der heutigen Welt, mit KI-Technologie fertigzustellen. Aber eine solche Technologie stand uns nicht zur Verfügung. Wir mussten also wirklich tief in die Trickkiste greifen, damit es funktionierte, und einer davon bestand darin, Pauls Brüder [Caleb und Cody Walker] einspringen zu lassen und die andere Hälfte des Films zu drehen. Anschließend haben wir verschiedene Wörter, die Paul während der gesamten Franchise gesprochen hatte, herangezogen, um Sätze für uns zu bilden.

Welcher Tag fällt mir als der emotionalste ein?

Der schwierigste Teil dieses Films war die Bearbeitung des Endes, in dem wir uns von Paul verabschieden. Es war sehr tränenreich. Es war schwer, das von uns zusammengestellte Ende anzusehen und nicht zu weinen.

The Conjuring 2 aus dem Jahr 2016 schnitt in Bezug auf Rezeption und Einspielergebnisse sehr ähnlich ab wie der erste Film. Hat Sie diese Erfahrung nach Furious 7 auf mentaler und emotionaler Ebene verjüngt?

Ja, nach Furious 7 wollte ich zu etwas Vertrauterem zurückkehren und den Prozess einfach aus emotionaler Sicht genießen. Ich wollte wieder mit Patrick Wilson, Vera Farmiga und dem Team zusammenarbeiten und die Geschichte der Warrens weiter ausbauen. Und genau da begannen wir, das Conjuring-Universum noch weiter auszuweiten.

Neben dem MCU ist das Conjuring-Universum wohl das zweiterfolgreichste Kinouniversum. Gab es schon immer den Ehrgeiz, ein Universum zu erschaffen, oder geschah das einfach von alleine?

Es geschah organisch, aber im Hinterkopf wussten wir immer, dass die Warrens so viele verschiedene Fälle untersuchten und dass sie ein Museum voller verwunschener Artefakte hatten. Schon während der Arbeit am ersten Film kamen uns also Ideen in den Sinn, wie zum Beispiel: „Wäre es nicht toll, wenn wir einen Spin-off-Film oder eine Fernsehserie machen könnten, in der wir auf die verschiedenen Spukartefakte in ihrem Museum eingehen?“ Und so entstand tatsächlich die Idee zu Annabelle (2014). Annabelle ist das Kronjuwel der Warrens-Sammlung und daher war ein Spin-off-Film ein natürliches Sprungbrett. Und nachdem Annabelle erfolgreich war, wurde uns klar, dass The Conjuring zum Mutterschiff werden könnte, um weitere Geschichten hervorzubringen.

Anschließend haben Sie sich mit Aquaman aus dem Jahr 2018 in das Superhelden-Territorium vorgewagt, das mit 1,14 Milliarden US-Dollar derzeit der DC-Film mit den höchsten Einnahmen aller Zeiten ist. Wie viele Anpassungen mussten Sie an der Dezember-Fortsetzung „Aquaman und das verlorene Königreich“ vornehmen, um sie an DCs Neuauflage durch „The Flash“ anzupassen?

Ich musste die ganze Zeit über Anpassungen vornehmen. Die DCU hat viele verschiedene Versionen durchgespielt, und eine der Herausforderungen an diesem Film bestand darin, den Überblick zu behalten, was vor sich geht. Glücklicherweise ist das Aquaman-Universum ziemlich weit vom Rest der Welt entfernt. Wir besuchen viele verschiedene Unterwasserreiche, die nicht unbedingt etwas mit dem zu tun haben, was mit den anderen Filmen und Charakteren passiert, also sind wir in dieser Hinsicht eigenständig. So kann ich einfach meine Geschichte erzählen, ohne allzu sehr betroffen zu sein, aber gleichzeitig muss ich mir bewusst sein, was passiert ist.

Haben Sie eine Vorstellung davon, wann Sie mit dem Beitrag fertig sein werden?

Ich hoffe, dass ich es bald fertigstellen kann. Nächsten Monat stehen die DGA-Sache [Vertragsverhandlungen] an, und es gibt nur noch ein paar Dinge, die wir erledigen müssen. Es ist ein großer Film. Es hat viele visuelle Effekte und bewegliche Teile, aber wir bewegen uns in diese Richtung und ich kann es kaum erwarten, dass die Leute es sehen. Ich denke, die Leute werden begeistert sein, wenn sie sehen, dass sich dieser Film vom Ton her deutlich vom ersten Film unterscheidet. Es ist etwas ernster und wir beschäftigen uns mit Themen wie dem Klimawandel. Wir scheuen uns nicht davor, uns in großem Umfang darauf einzulassen, denn der Aquaman-Comic war schon damals schon immer umweltbewusst. Er war schon immer jemand, der dafür gekämpft hat, die Ozeane sauber zu halten, und das scheint in der Welt, in der wir heute leben, wichtiger zu sein. Dieser Film hat also einiges zu bieten, ist aber dennoch ein unterhaltsamer Action-Fantasy-Film.

„Malignant“ aus dem Jahr 2021 entwickelte sich trotz der geringen Presse für den Film zu einer Kult-Anhängerschaft. Glauben Sie, dass diese Entscheidung dazu beigetragen hat, eine so begeisterte Fangemeinde zu schaffen?

Nun, der Film kam auf dem Höhepunkt der Pandemie heraus und Warner Bros. hatte seine gesamte Filmliste für 2021 auf HBO Max eingestellt. Ich verstand, warum sie taten, was sie taten, aber es war eine seltsame Zeit für unsere Filme, so herauszukommen, wie sie es taten. Aber ich würde den Leuten sagen, dass es der beste Weg ist, in den Film einzusteigen, wenn man so wenig wie möglich über Malignant weiß. Wir haben auch sehr darauf geachtet, dass der Trailer nicht zu viel verrät. Ich wollte absichtlich, dass der Film das Gefühl vermittelt, man befinde sich in einem typischen James-Wan-Horrorfilm, nur um dann gegen Ende des Films den Boden unter den Füßen wegzuziehen. Und das hat die Leute entweder abgeschreckt oder dazu geführt, dass sie den Film völlig neu bewerten. Es gab also eine sehr starke Reaktion.

Wie Ihr Werk zeigt, sind Sie heute ein Vorbild für aufstrebende asiatische und asiatisch-amerikanische Filmemacher, ein Vorbild, das Sie in Bezug auf das Studiosystem nie wirklich hatten. Versuchen Sie, wann immer möglich, Türen zu öffnen?

Ich bin auf jeden Fall bestrebt, Türen für Filmemacher und Schauspieler zu öffnen, insbesondere für solche mit asiatischem Hintergrund. Mehr Abwechslung zu schaffen war eine großartige Sache, denn obwohl ich auch so erfolgreich war, war es zu Beginn meiner Karriere eine große Herausforderung, Produzenten und Studios davon zu überzeugen, dass ich farbige Menschen einstellen darf – insbesondere asiatische Schauspieler. Obwohl ich nie ein klares Nein bekommen würde, würde ich immer hören: „Wir werden darüber nachdenken“, und dann würde nichts passieren. Das würde mich also immer richtig sauer machen. Während „Saw“ musste ich einen Weg finden, es heimlich zu machen, also hatte ich Danny Glover [als Detektiv], aber sein Partner war Ken Leung. Bei jedem Film, den ich gemacht habe, musste ich heimlich jemanden mit asiatischem Hintergrund einbauen, und es ist schrecklich, dass ich das tun musste und dass die Leute es nicht einfach bereitwillig angenommen haben. Aber in den letzten Jahren hat sich die Perspektive dramatisch verändert und ich kann viele Projekte vorantreiben, die in diese Richtung ausgerichtet sind. Wir entwickeln ein Projekt über einen asiatischen Detektiv mit dem Titel „The Good Asian“, das auf einem Comic des asiatischen Schöpfers [Pornsak Pichetshote] basiert. Es gibt noch ein anderes Projekt, das ich seit vielen Jahren entwickle, und es ist eine Geistergeschichte aus Südostasien. Es heißt Pontianak und ist im Grunde unsere Version von La Llorona. Es ist unsere Version eines Vampirgeistes, die ich zusammen mit einem großartigen indonesischen Filmemacher entwickelt habe.

Was war der Auslöser für die Gründung Ihres Unternehmens Atomic Monster?

Ich bin ein großer Verfechter der Vorwärtszahlung und deshalb war einer der Gründe, warum ich „Atomic Monster“ ins Leben gerufen habe, junge Filmemacher zu finden und ihnen dabei zu helfen, ihre Filme auf die Beine zu stellen. Der allererste Filmemacher, dem wir geholfen haben, war David F. Sandberg bei Lights Out, und wir hatten auch eine tolle Zeit mit der [Malignant- und M3GAN-Drehbuchautorin] Akela Cooper, die wirklich einen großen Durchbruch geschafft hat. Deshalb möchte Atomic Monster seinen Weg weitergehen und jungen Filmemachern, Autoren und Schauspielern die Möglichkeit geben, mit uns zusammenzuarbeiten.

Ist die Fusion von Atomic Monster und Blumhouse immer noch auf dem Weg zum Ziel?

Es ist. Diese Dinge dauern einfach lange. Wie Sie sich vorstellen können, gibt es, wenn man zwei ziemlich definierte Unternehmen zusammenbringt, viel zu tun, aber wir kommen uns immer näher. Jason und ich sind uns einfach sehr ähnlich. Wir ergänzen uns wirklich. Jason ist wirklich großartig in diesem Zeug, und ich bin wirklich gut in diesem Zeug. Hoffentlich können wir Yin und Yang miteinander harmonieren und hoffen, dass wir gemeinsam viele coole Sachen machen können.

Sie haben 2022 den KI-zentrierten Horrorfilm M3GAN produziert, und seitdem hat sich die Diskussion über KI nur noch intensiviert, insbesondere jetzt, da sie ein Knackpunkt in den WGA-Vertragsverhandlungen ist. Wie stehen Sie zu dem Thema?

Ich glaube wirklich, dass KI nicht nur unser Geschäft, sondern auch viele andere Branchen und die Welt, in der wir leben, verändern wird. Die WGA – und schließlich auch SAG und DGA – werden darum kämpfen, Parameter dafür zu schaffen, wie wir sie nutzen und was wir tun sollten und sollte nicht damit zu tun haben. Deshalb ist es so wichtig, worüber die Gewerkschaften und Gilden verhandeln. Wenn wir jetzt nicht anfangen, darüber zu reden und uns damit auseinanderzusetzen, könnte dieser außer Kontrolle geratene Zug in vier oder fünf Jahren so weit vom Gleis entfernt sein, dass wir den Geist vielleicht nicht mehr zurück in die Flasche stecken können. Wofür alle kämpfen, ist eine gute Sache und hat weitreichende Auswirkungen auch außerhalb unserer Branche.

Ihre langjährigen Mitarbeiter Leigh Whannell und Patrick Wilson haben beide ihr Regiedebüt mit der Insidious-Reihe gegeben. Sind Sie stolz darauf, dazu beigetragen zu haben, diese Möglichkeiten zu schaffen?

Nun, ich liebe es, Filme mit Leuten zu machen, die Kino lieben, und Patrick und Leigh lieben einfach alle Arten von Filmen. Zwischen den Auftritten blieben wir abseits und beschäftigten uns einfach mit John Carpenter, Star Wars, Star Trek und wirklich obskuren Horrorfilmen. Deshalb macht es mir so viel Spaß, mit ihnen Filme zu machen, und ich kann in jedem von ihnen wirklich den Filmemacher erkennen. Sie sind nicht nur Schauspieler oder Schriftsteller; Sie haben einen umfassenderen Blick auf die Geschichte, die wir gemeinsam erzählen. Und als sie zu mir kamen und sagten: „Hey, ich würde gerne bei einem Film Regie führen. Vielleicht kann ich beim nächsten Film Regie führen?“ Für mich fühlte es sich wie eine Selbstverständlichkeit an. Es fühlte sich an, als ob es etwas wäre, auf das sie sich während ihrer gesamten Karriere vorbereitet hätten.

Was ist entwischt?

Ich habe viele Projekte abgelehnt, aber ich bereue nichts, was ich aufgegeben habe. Das ist die ehrliche Wahrheit. Als ich das Drehbuch zu „Disturbia“ las, dachte ich, dass es ein wirklich guter Film werden würde, und wenn jemand etwas wirklich Gutes daraus machen würde, würde er erfolgreich sein. Und tatsächlich kam es heraus und es war. Auch wenn ich es nie weiterverfolgt habe, war das wahrscheinlich am nächsten.

Zurück zu den Fabelmans, In den letzten Jahren gab es eine Reihe von Filmemachern, die halbautobiografische Filme über ihre Kindheit und ihre Liebe zum Kino gedreht haben. Würden Sie das in Angriff nehmen?

Ich würde. Ich komme aus Malaysia und dann aus Australien und bin mit so vielen tollen Horror-Geistergeschichten und Aberglauben aufgewachsen, und ich kann mir vorstellen, dass diese Elemente in meine Filme einfließen. Ich liebe einfach die Idee eines halbautobiografischen Films, der durch die Linse eines Genre-Horrorfilms betrachtet wird. Das könnte also später etwas Interessantes sein, aber ich bin noch nicht ganz am Ziel.

Das Interview wurde aus Gründen der Länge und Klarheit bearbeitet.

Eine Version dieser Geschichte erschien erstmals in der Ausgabe des Magazins The Hollywood Reporter vom 31. Mai. Klicken Sie hier, um sich anzumelden.

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