Ein Licht, das niemals erlischt: Warum die Smiths ewigen Einfluss haben

In einem zweiten Feature zum 40-jährigen Bestehen der Smiths diskutieren Fans, darunter Andy Burnham und Connie Constance, wie und warum die Band überdauert hat

„Ein erstaunlicher Ansturm an Kreativität in Echtzeit“: 40 Jahre Smiths‘ Peel Sessions

John Peel beschrieb die Smiths einmal als „nur eine weitere Band, die aus dem Nichts kam und eine sehr klare und starke Identität hatte“. Im Gegensatz zu anderen Bands, sagte er, versuchten die Smiths nicht, T Rex oder die Doors zu sein; Sie waren einfach die Smiths, eine Gruppe, deren ästhetische Abstammung seltsamerweise schwer zurückzuverfolgen war.

Was sie hinterließen, lässt sich natürlich viel einfacher nachvollziehen: Es gibt seitdem nur wenige Indie-Bands, die sich nicht zumindest in gewisser Weise an Morrissey, Johnny Marr, Mike Joyce und den kürzlich verstorbenen Andy orientieren Rourke. Bereits bei ihrem Debüt im Jahr 1983 prägten die Smiths unbeabsichtigt Ideen darüber, wie Indie mit Fangemeinde, Männlichkeit und der Mainstream-Musikindustrie interagieren sollte, und schrieben Musik, die von kommenden Generationen als Bezug genommen und neu interpretiert werden sollte; In den letzten 40 Jahren kann man ihren ästhetischen und spirituellen Einfluss in jedem sehen, von den Stone Roses über Oasis bis hin zum 1975.

Der Einfluss der Smiths ist so weit verbreitet, dass es schwierig sein kann, ihr spezifisches Erbe genau zu bestimmen: Auch Jahrzehnte später spielt niemand wirklich Gitarre wie Marr und niemand schreibt wirklich Texte oder singt wie Morrissey. Stattdessen gibt es eine Art unbeschreibliche Stimmung, eine Sensibilität, die man spüren kann. John Reed, Katalogdirektor bei Cherry Red Records und Zusammenstellung von Scared to Get Happy, einer umfassenden Zusammenstellung britischer Indie-Musik der 80er Jahre, sagt, dass die Band „zu einer Vorlage geworden ist – entweder klingt etwas wie die Smiths oder nicht. Das gibt es.“ vielleicht nur ein Dutzend anderer britischer Bands, über die man das sagen könnte.“ Stattdessen ist es einfacher, darüber zu sprechen, was sie bei ihrem ersten Debüt geboten haben und was dazu geführt hat, dass sie, wie Reed sagt, „über Nacht von Nullen zu Helden geworden sind“.

Tony Fletcher, Autor von „A Light That Never Goes Out: The Enduring Saga of the Smiths“, erinnert sich, dass die Band „ein Gefühl der Positivität vermittelte, zu einer Zeit, als Großbritannien wirklich am Arsch war. Sie boten diese Art von überschwänglicher, freudiger Positivität; das waren sie.“ Arbeiterjungen, denen das Lächeln nichts ausmachte.

Obwohl Morrisseys Texte heute als äußerst pessimistisch angesehen werden, sagt Fletcher, dass es damals ein „befreiendes“ Gefühl war, den Smiths zuzuhören, angesichts der Art und Weise, wie sie dem düsteren Leben als Jugendlicher eine komische, Pop-fokussierte Linse verliehen Person inmitten des Großbritanniens der Thatcher-Ära. „Ihre Politik war sehr klar, aber sie haben sich nicht dafür entschuldigt, dass sie zur Arbeiterklasse gehören, und sie haben nicht die Art militanter Aussagen gemacht, die einige andere Bands gemacht haben“, sagt er. „Morrisseys Satz ‚Ich hatte nie einen Job / Weil ich nie einen wollte‘ [auf You've Got Everything Now] – das war schon früh in einer Zeit großer Arbeitslosigkeit ein wegweisender Satz.“

Das Zusammenspiel von Düsternis und Licht, von Morrisseys bissigen Texten und Marrs hellen Gitarren habe die Band für nachfolgende Generationen britischer Indie-Musiker so beständig gemacht, sagt Connie Constance. Die 28-jährige Watford-Musikerin zählt die Smiths neben dem Clash zu ihren größten Bezugspunkten, wenn es um Gitarrensounds geht. „Der Sound hat all die Negativität, die Briten meiner Meinung nach von Natur aus haben“, sagt sie. „Es hat dieses düstere, mich stört das nicht, Stöhnen, während es darüber eine wunderschöne Schicht hat, die einem das Gefühl gibt, als würde alles gut werden.“

Obwohl Constance schon als Kind mit den Smiths zusammenarbeitete, erkannte sie erst später, welchen Einfluss sie auf alle anderen Bands hatten, mit denen sie aufgewachsen war. „Ich hörte mir ihren Backkatalog an und dachte von diesem Moment an: ‚Oh mein Gott, dieser Sound ist so eng mit dem gesamten britischen Indie-Rock verbunden‘.“

Der Bürgermeister von Greater Manchester, Andy Burnham, ein langjähriger Smiths-Fan, erinnert sich, dass die Band „zu einer Zeit entstand, als der Nordwesten Englands wahrscheinlich den niedrigsten Stand aller Zeiten in der jüngeren Geschichte erreichte. Es schien mir ein wiederkehrendes Thema bei Morrissey's zu sein.“ Texte, von denen man mehr als das anstreben kann. Man muss sich nicht von seiner Situation oder den Umständen herunterziehen lassen.“ In Burnhams Augen verlieh die Band der Region ein seltenes Ansehen. „Als ich an die Universität kam, fragten die Leute: ‚Hast du die Smiths gesehen?‘ und es war so: „Okay, ich habe etwas, das du willst – das war wichtig, um ein Gefühl von Selbstvertrauen und Ehrgeiz aufzubauen.“

Richard King, Autor des Buches „How Soon Is Now: The Mavericks and Madmen Who Made Independent Music 1975–2005“, sagt, die Smiths hätten mit ihren Fans ein Geben und Nehmen geschaffen, das sich frisch anfühlte. „Morrissey war kein Jugendlicher, aber er schien zu wissen, wie man die Extreme der Adoleszenz artikuliert, und es gab nur sehr wenige Menschen, die das taten“, sagt er. „In jeder Veröffentlichung herrschte ein Gefühl von Großzügigkeit und Wertigkeit – die Bildhüllen, der Ton, den sie verwendeten, die B-Seiten: Alles, was sie taten, hatte diesen Wert, den man sonst nirgendwo finden konnte – und es fühlte sich an, als würde es direkt kommen.“ von der Band. Es bedeutete, dass die emotionale Investition, die man als Jugendlicher in die Songs und ihre Bedeutung gesteckt hat, man hatte das Gefühl, dass diese Investition von der Band in ihre Qualitätskontrolle und ihr Aussehen zurückgezahlt wurde.“

Obwohl es üblich war, einem Genre oder einer Subkultur – etwa Punk oder Gothic – die Treue zur Kleidung zu schwören, waren Smiths-Fans schon vor der Veröffentlichung eines Albums wie die Smiths gekleidet. Auch wenn andere Künstler schon zuvor ein ähnliches ästhetisches Gespür entwickelt hatten, orientierten sich die meisten von ihnen, wie beispielsweise Edwyn Collins von Orange Juice, an der Americana der 1950er Jahre, mit Lederjacken, Sonnenbrillen und makellosen Haartollen. Morrissey kombinierte die 50er-Jahre-Frisur mit dem, was Reed einen „studentischen“ Look nennt – Regenmäntel, die er in Wohltätigkeitsläden und Vintage-Läden kaufte. Dieser Look hat sich mittlerweile zu etwas verfestigt, das man als klassische Indie-Boy-Ästhetik bezeichnen könnte: T-Shirts und Hemden in 501-Jeans gesteckt, Brillen mit dickem Rand, nicht passende oder schlecht sitzende Oberbekleidung.

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Fletcher sah die Band Ende 1983 und erinnert sich, dass „die Fans bereits so gekleidet waren wie sie – in London trugen die Leute Blumen in ihren Gesäßtaschen. Ab 1984 hatte Morrissey das große Mantel-Ding, und plötzlich sah man Leute wie sie.“ Das. Es war, als kämen einige von ihnen gerade aus ihrem Schneckenhaus heraus – sie waren sehr buchsüchtige Menschen, denen plötzlich klar wurde, dass Buchhaltung in Mode war, und sie mussten sich nicht für ihre NHS-Bedürfnisse und ihre etwas zerzauste und gebildete Art entschuldigen Popmusik."

Burnham erinnert sich an den Affleck’s Palace in Manchester als ein Zentrum der Morrissey-Ästhetik. „Morrissey hat es geschaffen, aber die Leute sind dorthin gegangen, um es zu reproduzieren“, sagt er. „Es waren Vintage-501-Jeans, bevor sie allgegenwärtig waren, Strickjacken, Sachen, die bewusst altmodisch aussahen. Es war eine Art Außenseiter-Look – es wurde Anti-Cool-Mode, bevor es in unseren Köpfen existierte.“

Er erinnert daran, dass die Smiths als eine Art Kodex für die gesamte Kultur fungierten. Als die Band zum Beispiel in der South Bank Show auftrat: „Ich erinnere mich, dass jeder es auf Video aufgenommen hat, und es hat wirklich eine Fülle von Bezügen hervorgebracht. Die Leute haben angefangen, Oscar Wilde zu lesen – das hat einen irgendwie erweitert, weil man die Smiths mochte.“ Die Ikonographie und Musik der Band war so stark, dass Morrissey trotz seiner ästhetischen und politischen Veränderungen nach seinem Soloauftritt – auf „Bengali in Platforms“ von 1988 wies er darauf hin, dass südasiatische Migranten nicht nach Großbritannien gehörten, und 1992 hüllte er sich in den Union Jack – Viele Fans können die Smiths in Gedanken leicht trennen.

Die Freiheit, die die Band ihrem Publikum zu bieten schien – sich von biederen Vorstellungen über Aussehen, Kleidung oder Denkweise zu lösen – war damals revolutionär. King erinnert sich an die Art und Weise, wie Marr und Morrissey auf der Bühne interagierten, und wie viel Spaß sie zu haben schienen und wie sie sich völlig neu fühlten. „Die beiden tanzten als Männer zusammen, aber beide waren sehr weiblich und, in Johnnys Fall, ziemlich androgyn, was unglaublich kraftvoll war“, sagt er. „Ein jugendliches Publikum hatte das Gefühl, dass es ihm die Möglichkeit gab, sich anders zu verhalten – zwei Männer, die nicht auf offen homoerotische oder politische Weise zusammentanzten, sondern einfach auf ihre ganz eigene Art und Weise gemeinsam Spaß hatten.“

Darüber hinaus war Morrissey Pionier eines musikalischen Ausdrucks, der nicht auf heterosexuelle Romantik – oder gar Romantik im Allgemeinen – ausgerichtet war. „Jemanden zu haben, der auch nicht sang: ‚Ich bin in dich verliebt‘ oder ‚Du hast mit mir Schluss gemacht‘, sondern sang: ‚Ich bin mir nicht wirklich sicher, ob ich Liebe will, das tue ich nicht.“ „Ich weiß, ob ich Romantik will“ – er hat es geschafft, die Gefühle so vieler Menschen einzufangen“, sagt Fletcher. „Ich glaube nicht, dass das irgendjemand mitgemacht hat.“

Constance sagt, dass Morrisseys weniger explizit maskuline Präsentation in den vergangenen Jahren „eine sanftere Seite von Männern in Indie-Bands zum Vorschein gebracht hat“. „Ich habe das Gefühl, dass Männer ein bisschen mehr an der Indie-Welt teilhaben können, dass sie ein bisschen mehr singen und sich die Dinge aus der Seele reißen können, anstatt nur so zu sein wie brutaler anarchistischer Punk oder übersexueller Glam-Rock-Superstar“, sagt sie sagt. „Jemand wie [der 1975er] Matty Healy – Morrissey war der erste von diesem [Archetyp].“

„Wie viele der besten Bands dieser Zeit“, sagt Reed, „ist die Statur der Smiths gewachsen – die Musik hat sich auf der ganzen Welt verbreitet. Britische Indie-Musik hatte enormen Einfluss auf Musik aus Nordamerika, Südamerika, In Australien insgesamt wahrscheinlich mehr als in Großbritannien. Das gilt nicht nur für die Smiths, aber die Smiths sind ein großer Teil davon.“

„Sie haben bewiesen, dass man eine Indie-Band sein, in die Charts kommen und erfolgreich sein kann“, sagt Fletcher. „Machen Sie die Dinge nach Ihren eigenen Vorstellungen, seien Sie kontrovers, machen Sie großartige Musik, seien Sie stolz auf Gitarren, seien Sie keine Idioten. Sie könnten all das sein.“